音乐与吉他 on 红旗下的蛋

月光--吉他曲（索尔）

Mon, 07 Jan 2019 00:00:00 +0800

索尔（Fernando Sor, 1778–1839）是西班牙19世纪早期最重要的吉他作曲家与演奏家之一，被后人誉为“吉他之父”，西班牙人称他为“吉他的贝多芬”，是吉他古典时期的代表人物。

《月光》（Moonlight）是他创作的一首著名吉他小品，原名为《B小调练习曲》（Étude in B minor, Op. 29, No. 13）。这首作品最初并非以“月光”为题，而是后人因其旋律宁静、柔和、富有诗意，联想到月夜的意境，遂赋予其“月光”这一浪漫化的标题，成为古典吉他曲目中最广为流传的小品之一。据说曲名《月光》是日本人出版时所取。如同贝多芬的《升C小调钢琴奏鸣曲》，又称“月光奏鸣曲”一样，都是后人加的，不一定能真正反映当时作曲者所表达的思想，到不如不加别名。

我演奏的作品，请欣赏：

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曲谱解析：

月光

索尔《练习曲集》（op.35号）之No.22，b小调，3/4拍。演奏分析如下：

练习目的：主调织体、分解和弦练习，提高左手按弦特别是大横按的能力、右手对分解和弦各声部的的控制能力。结构：带再现的三段曲式，由A、B、A1构成。

A段：

第一乐句:1-8小节

第二乐句:9-16小节

每一乐句可分为2个各4小节的分句。第一乐句是本曲的主题，由于是主题的最初陈述，前4小节要平稳地演奏，不要做过多的干预，让旋律、和声自己说话，后4小节是个上行的旋律进行，稍稍作出点渐强，但为了抑制属和弦的张力及引出下一乐句，对第8小节的和声声部进行最好做渐弱处理。第二乐句是第一乐句的变化重复，要注意第11到12小节Ⅴ到Ⅵ和弦的阻碍进行的出现，演奏时要加强乐句的完整性，不要在这里断开，后面接着的4小节是一个复式完全终止的音阶下行，可做渐弱处理，最后在主和弦上安静地结束该段。

B段：

第一乐句:17-24小节

第二乐句:25-32小节

乐句结构与A段相似。第一乐句，建立在属功能上，主要应用了大三和弦，与A段形成了色彩和力度上的对比，演奏时力度可随着旋律的起伏作出相应的变化。第二乐句，副属和弦的出现及连续四度的进行形成的不断离调，再加上拿波里六和弦的使用，调性的变化使得音乐在这里达到了高潮，演奏时要注意后几小节的旋律在渐弱的同时，最后的属和弦的中间声部要稍稍作出渐强，以引出再现段落的出现。

A1段：

第一乐句：33-40小节

第二乐句：41-48小节

再现段仍然保持了和以上段落相同的结构。第一乐句是主题的再现，但由于紧跟在对比段落后面，演奏力度要比A段时大些。第二句是一个较长的旋律线条，从渐强再到渐弱，最后用一个复式终止圆满地结束全曲。

引用网上的演奏提示：

虽然在索尔生活的年代，浪漫派的音乐已有所发展，但索尔的作品主要还是体现了古典主义的风格，因此本曲应该是古典时期典型的练习曲。
尽管有人给该曲添加了充满诗意的名字，但我们在一开始练习时还是暂时把《月光》忘了吧，因为这很容易束缚我们的思维。
本曲大量使用了横按法，需要一定的横按基础，如果没有，请暂时不要练习这首曲子。练习时请注意不要仅仅用手指按弦，要发挥左手手腕、小臂甚至大臂的作用，并小心调整左手大拇指的位置，以与横按的手指形成一定的力矩关系。
有个问题可能困扰着您：主声部的演奏到底是用靠弦好还是不靠弦好呢！我的看法是：从对作品的演绎来说，不要用靠弦，因为这样容易打断正在进行的声部。但为了训练对声部的控制，可以适当使用靠弦法来练习。
在使用不靠弦法时，可以利用手指崩弦和放弦的角度变化以及调整参与运动的关节的多少来区别主要声部和次要声部。
当您能很轻松地控制各个声部时，就可以采用以下方法练习：
- a.突出上声部，让旋律像皎洁的月亮一样悬挂天空中，和声像淡淡的云在衬托着游荡的旋律，这有点像浪漫派的手法；
- b.让上声部稍稍内敛一点，旋律与和声交织在一起，像在厚厚的云中飘荡的月亮一样忽隐忽现，这更贴近于古典风格；
- c.或者干脆把旋律隐藏在和声中，分不清哪是月亮哪是云彩，您只是觉得天空在不断地变换着色彩，心中激起一阵阵莫名的惆怅，这像不像印象派的表现方法呢？……
记得有人说演奏此曲时应该突出旋律声部，否则就是错误的，现在您还会同意吗？充分发挥您的想象力吧，开放您的思维模式，您会得到更多的东西，但，这一切都离不开对作品合理的分析和理解！最后，您可能会感觉到，所谓的技巧被您心中的音乐带走了。

月光吉他五线谱下载

Per-Olov Kindgren的作品演奏

Fri, 23 Sep 2016 00:00:00 +0800

关于 Per-Olov Kindgren

Per-Olov Kindgren 是一位出生于哥伦比亚、在瑞典成长的知名古典吉他演奏家和作曲家。

他最显著的标签是**“情感的编织者”。与许多追求极致演奏速度和复杂技巧的古典吉他手不同，Kindgren 的作品以旋律性、空间感和极简主义**见长。他的音乐风格横跨古典、爵士与现代流行元素，因其在社交媒体上分享的极具氛围感的演奏视频而享誉全球。

作品逐一解析

我花了一段时间试着弹奏了他的五首曲子，只能算是把音符弹了出来，没有感情、没有技巧，可以听听，评论一下。

《I Miss You》 (思念)

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这是他流传最广的作品之一。

听感：像是一封深夜未寄出的情书。
特色：旋律非常平稳，没有剧烈的起伏，这种“克制”反而表现出思念的漫长与无奈。它利用了吉他中音区的温暖特质，反复回旋的旋律线模拟了脑海中挥之不去的记忆。

《A Touch of Love》 (爱之触碰)

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听感：极其轻盈、柔和，仿佛羽毛掠过水面。
特色：这首曲子强调的是 “触感” (Touch)。音符之间的连接非常紧凑且圆润，运用了大量的圆滑音（Slurs）。它不表达热烈的爱，而是一种守护式的、安静的爱意，音色明亮且充满了希望感。

《Why》 (为何)

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听感：带有强烈的哲学色彩和孤独感。
特色：曲式结构非常简洁，通过不断重复一个简单的动机（Motif）来营造一种 **“追问”**的氛围。每一遍重复在力度上都有微小的变化，像是人在不同心境下对同一个问题的反复思考，充满了忧郁的自我对话感。

《Sea of Nectar》 (甘露之海)

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听感：开阔、空灵，具有强烈的画面感。
特色：这首歌的灵感来自月球上的“甘露海”。Kindgren 运用了大量连贯的分解和弦（Arpeggios），模仿液体的流动。曲子打破了明确的节奏律动，营造出一种在太空中漂浮、失重的感觉，是其作品中极简主义美学的巅峰之作。

《It Hurts to Leave and It Hurts to Stay》 (离散之痛)

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听感：纠结、沉重，充满戏剧性的张力。
特色：曲名本身就是对音乐最好的注释。旋律在和谐与不和谐音程之间游走，反映了心理上的矛盾感。相比前几首的平稳，这首曲子的低音部分更为厚重，通过低音弦的震动传达出一种内心的挣扎与隐痛。

艺术风格总结

技术服务于情感：他从不为了炫技而作曲，每一处装饰音都是为了情感表达。
留白的艺术：他敢于在乐句之间留下沉默（休止符），让听众有思考的空间。
现代性：他的作品虽然使用古典吉他演奏，但听感上非常符合现代人的审美，常被作为疗愈系音乐。

乐谱下载：

我和吉他

Wed, 23 Sep 2015 00:00:00 +0800

初三的时候喜欢上了吉他，当时学习一点儿也不卷，也没有那么大的压力，赶时髦，伙同同学找关系去本市的一个乐器厂买了一把，由于五音不全，没法自弹自唱，只好学习古典和指弹，当时的条件不可能找老师学，也就买些吉他杂志看着自学，比葫芦画瓢。

高中的时候也是断断续续的，没啥长进，就是能把音阶按熟练了。一上大学，就参加了新生的吉他兴趣组，在大一迎新会上配合别人弹了一个二重奏曲子《伏尔塔瓦河》，不过我只是伴奏，弹简单的和弦，因此购买了一把吉他，为了省钱，连续两个星期都是白糖沾馍吃。后来不再为谁而弹了，兴趣就逐渐消失，等工作后，就不再触及了。

现在，又有机会再次捡起曾经的兴趣。好在网上有了各种资源和视频，学习起来不那么难了。以后陆陆续续学弹了一些曲子，留作纪念，自娱自乐。